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Por Diana Guerra Chirinos

Entre el 20 y 22 de mayo pasado, se celebró en la Casa Llotja de Mar de Barcelona, el Congreso Internacional de Economía y Cultura, organizado por la Cámara de Comercio de Barcelona y cuya dirección científica recayó en Lluís Bonet Agusti, destacado economista catalán de la Universitat de Barcelona, y a quien tuve como director de mi tesina del DEA . Precisamente por esta relación, tuve la oportunidad de participar como relatora de las sesiones plenarias del congreso.

Fue muy interesante observar que un congreso de corte académico es capaz de reunir a los más importantes representantes del mundo político, empresarial, cultural y académico de España y de Europa: la Ministra de Cultura de España, el Presidente del gobierno catalán, el Conseller de Cultura y el Conseller de Economía y Finanzas del gobierno catalán, el Presidente del Parlamento de Cataluña, el Alcalde de la ciudad de Barcelona, el Presidente de la Cámara de Comercio, Industria y Navegación de Barcelona, el Director General de UNESCO, altos representantes de la Unión Europea, el Director General de la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual, entre otros. Todos ellos, participando en mesas de debates en los que los estudiantes, gestores, economistas, investigadores y empresarios culturales eran parte de un atento público. El congreso fue inaugurado por el Rey de España, Juan  Carlos I.

En el Congreso fue evidente que los distintos poderes y sectores de Catalunya son capaces de dialogar y que las reuniones no son un saludo a la bandera: al finalizar el congreso los representantes políticos se comprometieron y anunciaron, entre otras cosas, a continuar con este espacio y a crear un comité gubernamental de alto nivel que reúna a los especialistas de economía y cultura, una forma tangible de darle peso político a este tema dentro de la estructura pública del gobierno catalán. Y ello teniendo en cuenta que ya existe el Instituto Catalán de las Industrias Culturales , que depende de la Generalitat de Catalunya y que funciona mas bien a nivel técnico.

Siendo testigo de este encuentro y más allá de admirar la impecable organización, pensaba en cuándo podríamos presenciar algo parecido en Lima. Es decir, tener en una misma mesa de debate a la gente del Ministerio de Economía y Finanzas, del Instituto Nacional de Cultura, de la Cámara de Comercio de Lima, a los pequeños y medianos empresarios culturales, a los gestores culturales y a los investigadores que desde las universidades, reflexionan sobre las relaciones entre economía y cultura y diseñando una agenda de acciones.  Y que esa mesa sea el reflejo de un trabajo conjunto y de fondo, de una articulación real entre los sectores, en el que los economistas y los representantes del sector cultural encuentren un lenguaje común. ¿Estamos lejos de verlo?.

El Congreso de Barcelona se articuló en torno a cinco sesiones plenarias, que abordaron los siguientes temas:

-    La cultura, la riqueza y el bienestar de las naciones,
-    La cultura y la nueva economía: empresas creativas e innovación,
-    Balance de intercambios en la distribución de la cultura: equilibrios y dependencias
-    La economía de los derechos, protección y desprotección en las TIC y la globalización
-    Un nuevo marco para la financiación de la cultura

A continuación, compartiré con ustedes las reflexiones realizadas en la Sesión Plenaria III , en la que participaron como conferencistas:
•    Enrique Barón, presidente del Grupo Parlamentario Socialista Europeo
•    Víctor Fernández Blanco, profesor de Economía de la Universidad de Oviedo
•    José Manuel Lara, presidente del Grupo Planeta
•    Jordi Martí, delegado de cultura del Ayuntamiento de Barcelona
•    Galia Saouma-Forero, directora de la División de Expresión Cultural e Industrias Creativas de la Unesco,

De más está decirles que el nivel de la sesión fue de primera, en parte a la excelente moderación que realizó Milagros Pérez Oliva, jefa de redacción y defensora del lector de El País.

La moderadora inició esta plenaria reflexionando sobre los conceptos de centro y periferia en el marco de la globalización y los acelerados cambios e innovaciones que casi no permiten reacción. Barcelona fue un centro de creación extraordinario cuando aglutinó, hace unas décadas, la creación literaria sudamerica  y en el último año, ha sido escenario de una película de un solo creador . ¿Qué ha cambiado?, se preguntaba Pérez Oliva, “antes venían los escritores sudamericanos y ahora la industria cultural cinematográfica ha puesto el nombre de la ciudad en una película. Es decir, la globalización económica ha derribado fronteras en cuanto a la difusión de productos, sin embargo, los productos culturales tienen fronteras interiores. ¿Cómo afronta entonces la industria cultural a la globalización? ¿Cómo gestionarla? ¿Cómo convertir el éxito local en un éxito en una cultura distinta? ¿Cómo hacerlo si sus productos sólo tienen valor local?”.

Enrique Barón fue el primero en intervenir, afirmando que la cultura es economía y algo más que economía: “Desde la Unión Europea se ha creado un mercado interior sin fronteras que construye una Europa diversa con 23 lenguas diferentes. En el marco de ese mercado interno, la cultura no puede corresponder solo a un tema de mercado. Desde la Unión Europea además, se defiende la declaración de la diversidad cultural propuesta por UNESCO, los europeos van juntos a negociar ante la Organización Mundial del Comercio los temas de reserva y excepción cultural. Hay mucho interés en la cultura porque es el primer sector económico en Estados Unidos y también en Europa. Dentro de la Unión Europea se abordan los derechos de autor e incluso se ha planteado extender a 95 años la protección de este tema”.

Víctor Fernández Blanco por su parte, afirmó que el mundo de la cultura se enfrenta a un mercado globalizado, en el que no hay fronteras y en el que la cultura debe buscar apoyo para sobrevivir. Las ventajas del comercio, a decir de Fernández, se basan en dos piezas fundamentales que son las bases del futuro de la cultura: la extensión de los mercados con la presencia de las grandes empresas transnacionales y la búsqueda de un diseño de ventaja comparativa de las empresas, que en el campo de la cultura es la posibilidad de crear, de innovar en contenidos y por lo tanto de abrir nuevos mercados. El panorama actual obliga a buscar nuevas ventajas comparativas, como el idioma español que tiene un mercado potencial de 425 millones de consumidores. Haciendo una analogía optimista de carácter astronómico, Fernández afirmó que hay gran planeta cultural de productos homogéneos con los mismos contenidos que se pueden consumir en cualquier parte del mundo y que son ofrecidos por las grandes cadenas transnacionales, y alrededor de este planeta común, hay espacio para la aparición de productos minoritarios a manera de satélites. No todos podrán adaptarse a los cambios tecnológicos, el proceso será duro y difícil, pero también significará ventajas para la cultura.

Por su parte, Galia Saouma-Forero, a la que la moderadora le pregunta qué papel juega el lugar donde se encuentra el creador cultural, afirmó que la cultura es un conjunto de símbolos e identidades y que no puede ser abordada únicamente desde la óptica económica, pues cuando hablamos del acceso de las comunidades al mercado global, hablamos de la identidad de esas comunidades.

Jordi Martí afirmó que si bien el mercado tiene una fuerza indiscutible, hay vida cultural más allá del mismo mercado. ¿Es entonces realmente la homogenización un peligro para las culturas minoritarías? No se puede negar que hay creadores a los que la globalización ha dado muchas oportunidades, creadores de mercados periféricos, que se han dado a conocer. En el mercado global hay muchas oportunidades pero pocos tienen las claves para acceder a esas oportunidades. Las claves son, a entender de Martí, por un lado el mantenimiento de los grandes sistemas empresariales, es decir, tener una industria cultural muy potente; y por otro lado, tener territorios concretos, ciudades que puedan aspirar a ser hub en el marco de la globalización.

José Manuel Lara, por su lado, mencionó que lo que vivimos es la globalización económica y la localización cultural. En relación a los contenidos, no existe globalización, pero si existe en la industria cultural, en las empresas y desde hace por lo menos 15 años. Los productos culturales están en lo local, y el sector editorial es un ejemplo de ello, en tanto 70% de los libros que se producen en la mayoría de los países son productos locales. Incluso los productos americanos extendidos en todo el mundo son locales.

En este punto, la moderadora preguntó hacia dónde íbamos, cuál era el futuro.

José Manuel Lara respondió que las culturas locales no están en peligro y que en realidad no existen las grandes industrias culturales. José Martí agregó que al costado de estos procesos que provoca la globalización, hay toda una realidad de intercambios culturales, sostenido mayoritariamente por el sistema público, que es un sistema importante y que alimenta al mercado cultural. El profesor Fernández por su lado, sostuvo que uno de los problemas de la cultura es que termina siendo un paraguas en el que caben muchas cosas y que en realidad hay dos maneras de entenderla: los productos industriales que responden al mercado y otro tipo de cultura donde participa la gente, es decir, la actividad cultural de las personas, que por su propia naturaleza escapa al funcionamiento de las industrias culturales. En ambas formas de entender la cultura hay una clave: la distribución, es decir, el intermediario que conecta los productos con el consumidor, que los selecciona y que trasmite la información del producto.

La moderadora interviene preguntando qué estrategias se deben seguir para que un producto cultural sea atractivo a propios y extraños, en el ámbito local y en el global. Enrique Barón responde que la Unión Europea ha lanzado programas culturales, algunos de mucho éxito, pero que es peligroso hablar de dirigismo cultural. La creación cultural no se consigue solo con politicas culturales dirigistas. En este punto, Galia Saouma-Forero, comentó que la política pública debe seguir interviniendo e impulsando la cultura, especialmente la innovación y la creatividad del propio artista y protegiendo la propiedad intelectual. A su parecer, las políticas públicas han jugado un rol importante en la creación de festivales que han permitido el intercambio y exposición de artistas.

La moderadora introduce otras interrogantes: ¿Hasta qué punto lo que han logrado los americanos se debe al control de la distribución o por el contrario, a su capacidad de innovar? ¿Dónde reside la innovación? ¿En el tipo de contenidos? ¿En el soporte? ¿o la distribución? Jordi Marti interviene afirmando que en un mundo globalizado existen dos grandes estrategias: la del formato estandarizado, que pretende abarcar muchos ámbitos y que se dirige al gran público y la especializada, sofisticada y dirigida a minorías. Las diferentes culturas tienen hoy una gran oportunidad en la segunda estrategia. José Manuel Lara a su vez afirma  que el debate no debe centrarse en la globalización, sino en la economía y la cultura y que son dos temas distintos. Insiste en que los contenidos son locales y que, por ejemplo, no existe un solo libro de ensayo que haya transpasado fronteras.

En relación a las afirmaciones que apuntan a que el dominio sobre la distribución cultural es clave en la globalización, Lara niega que alguna empresa domine la distribución, aunque reconoce que sería la situación ideal. El dominio del producto de origen es de las majors. La moderadora le pide a José Manuel Lara que haga el ejercicio mental de imaginar que regresa a los 25 años de edad y que tiene que enfrentar el mundo globalizado del futuro. Lara responde que en este mundo tan cambiante y de evolución imparable, es imposible adivinar qué pasará en el futuro.

Sin embargo, intuye que se fortalecerá la corriente que busca abaratar los costos de la intermediación; que gran parte de la industria cultural se ha modificado y se modificará en la red y otra parte no lo logrará; y que el e-comercio del libro real está cambiando pero que este cambio no será rotundo sino que habrá una migración en la que puede haber una pérdida importante: la edición minoritaria. Si la red sirve para llegar a más gente y más barato, bienvenida sea, pero los costos debe asumirla la propiedad intelectual, por lo que hay que respetarla rigurosamente. Lara agregó finalmente, que la Editorial Planeta solo puede intentar adivinar qué va pasar en el futuro con el libro digital.

Jordi Martí también ve problemas en lanzar predicciones sobre lo que pasará con la cultura en el futuro pero cree que la globalización tiene dos lados y que no se puede olvidar que la globalización también da oportunidades. En ese sentido, el rol de lo público en el soporte a la cultura es clave. Lo público debe activar flujos culturales y valores nutritivos que los empresarios inteligentes sabrán adoptar y mostrar.

Por su lado, el profesor Fernández vuelve a la idea de dividir la cultura en industria y actividad, pero entiende que las actividades culturales no se eximen de la lógica de mercado y de la economía. Recuerda que los productos culturales son elevadamente arriesgados y que son pocos los que tienen éxito económico, entonces, ¿Cómo minimizar el riesgo de errar, de no conseguir éxito económico? Los bienes culturales son bienes de experiencia, es decir que son productos con  características claves cuyo éxito o fracaso solo se conoce una vez consumidos.  Es un producto sujeto a riesgo e incertidumbre, por lo tanto, lo importante es transmitir información relevante –a bajo coste- al consumidor para que pueda escoger y quedarse con productos culturales relevantes.

Sin embargo, apuntó la moderadora, las descargas de películas en la red responden a las tendencias de las majors. Es decir, los que son capaces de dar a conocer el producto de manera atractiva, tiene la capacidad de incidir en los gustos y elecciones de los consumidores. Ante esta intervención, Lara afirmó que el público, el consumidor es el que decide, el que impone lo que se va producir, usando el boca-oreja.

Enrique Barón afirma que coexisten dos mundos, el de la librería tradicional y lo digital y que internet puede ayudar a vender más libros físicos que antes. En las sociedades más informátizadas se siguen vendiendo series completas de libros. En ese sentido, podrán rescatarse libros que no se editan hace tiempo o que ya habían desaparecido.

¿Cuál es el balance de la Convención por la Diversidad Cultural aprobada por la UNESCO, a cuatro años de su ratificación?, preguntó la moderadora dando la palabra a Galia Saouma-Forero, quien señaló la importancia de dicha convención y las discusiones que se generaron en torno a ella. Dicha Convención acepta la globalización pero bajo una normativa que permita proteger a la diversidad cultural. La moderadora vuelve a intervenir y pregunta ¿cuáles deben ser los nuevos valores emergentes que permitan que un producto local tenga aceptación global?.

Lara responde que estamos ante un cambio de hábitos espectacular, que los productos envejecen inmediatamente, sin embargo, podemos reaccionar y buscar la desaceleración. Jordi Martí apunta a que hay una capa que va a máxima velocidad pero que al mismo tiempo, coexisten otras capas que van a otro ritmo. Hay muchas realidades que tienen sus propias lógicas economicistas.

El profesor Fernández vuelve al tema de mirar el futuro y afirma que es muy difícil predecir lo que pasará pero hay dos ideas que habría que tener en cuenta: la inquietud de la gente por crear, lo que se traduce en promover su activa participación; y la difusión de la información. La moderadora interviene y afirma que información no parece ser igual a más cultura, sino a “picoteo”. Enrique Barón rescata en ese panorama, la cantidad de gente que está creando y consumiendo cultura, y que experiencias como la presencia del Instituto Cervantes en diferentes países lo confirma así.

El plenario finaliza con el pedido a cada participante de dar alguna receta para el emprendedor cultural: El profesor Fernández ve el futuro de este agente en conseguir que el público decida que producto cultural desea consumir, abaratando el costo del acceso a la información; Barón por su lado rescata el valor local y universal de la cultura por encima de otros sectores; Jordi Martí solicita un paquete de medidas fiscales adaptadas al sector cultural y una ley de patrocinio y mecenazgo, similar a la francesa; y Lara concede el mayor peso de esta conversación a la protección de la propiedad intelectual y a la necesidad de  asegurar que más gente acceda a productos culturales cada vez más baratos.

Lima, 16 de agosto del 2009.
Diana Guerra Chirinos

Por Víctor Vich
[vía El Comercio, 8/10/2008]

¿Qué papel juega el arte en el diseño urbano de la ciudad? En el Perú neoliberal parece que ninguno. La furia de inversiones solo enloquece al Presidente de la República y a la mayoría de alcaldes que no solo carecen de cualquier plan urbanístico sino, sobre todo, de la humildad necesaria para convocar a especialistas como cualquier escenario democrático debería traer consigo.

El caso de Miraflores es uno de los más increíbles. El distrito cuenta con la obra de arte público más grande de la ciudad y ella se cae a pedazos ante la mirada pasiva, realmente vergonzosa, de las autoridades actuales. El impresionante mural cerámico de la vía expresa muestra su más triste deterioro. Recapitulemos su historia: fue diseñado entre 1990 y 1991 nada menos que por Ricardo Wiesse, uno de los pintores más importantes de la plástica peruana actual. En su construcción trabajaron más de ochenta jóvenes voluntarios (dirigidos por Jorge Gutiérrez) utilizando desechos de cerámicas proporcionadas por cuatro empresas patrocinadoras. En el medio de intensas disputas entre EMAPE y la municipalidad de Miraflores lo cierto es que el mural nunca fue inagurado y, como muchos peruanos, ha tenido una vida no reconocida.

Su estética, sin embargo, es la más apropiada. Me refiero a la cerámica rota y a la representación que propone. El material, en efecto, remite al desecho y ello al mundo en que vivimos. Si ésta es la sociedad del abrumador consumo y de la pura chatarra, el artista es quien puede hacer otra cosa con dichos fragmentos: darles un sentido, recolocarlos y utilizarlos para algo realmente nuevo. Pero además, el mural se compone a partir de una sucesión de líneas y colores que proporcionan la sensación precisa que el lugar requiere. Esas ondas son, en efecto, el signo más característico de la urbe: la velocidad, el movimiento. Pero mucho más aún: el mural es también –como toda la obra de Wiesse- un asombroso diálogo con el paisaje desértico que rodea a la ciudad: con los ritmos del mar, con las formas de las dunas, con la costa entera del país.

Se que el alcalde Masías esta informado del asunto y debería cambiar de actitud. Es increíble lo que actualmente está pasando con muchos distritos de la capital. El desinterés histórico por el arte público va de la mano con la proliferación excesiva de fuentes y piletas de agua por todos lados y con la mala costumbre que tienen estos alcaldes por acompañar la obras públicas con placas o carteles que personalizan su construcción. En realidad, en un país civilizado, ninguna obra pública debería llevar el nombre de alcalde alguno. De hecho, uno de los casos más ridículos lo encontramos justamente en Miraflores: se trata de un pequeño camino situado al costado del puente Villena donde su simple remodelación ha ido nuevamente acompañada de una placa con el nombre del alcalde Masías (¿Cuál es?) como si se tratara de un autor del MALI o de alguien realmente importante.

¿Quién puede hacerse cargo -ya, ahora- de la restauración del Mural de la Vía Expresa? La improvisación alocada (ese hacer piletas por todos lados) sigue siendo la matriz de la gestión pública peruana y la ignorancia de la autoridades en materia de arte y cultura es un dato constante a lo largo de nuestra historia. El alcalde Castañeda (que nunca da la cara) es un gran ejemplo al respecto. Hay en el Perú muchos artistas a los que se les podría convocar para construir, con sus obras, nuevos sentidos de comunidad. Los espléndidos murales que Herbert Rodríguez hizo en las décadas pasadas se han perdido irresponsablemente. Hay en el país Escuelas Nacionales y Facultades de arte que son necesarias –indispensables- para asesorar a las secretarias de cultura de las municipalidades si es que éstas existen. En el medio de esta polución visual, los gobiernos municipales deberían ofrecerle a los transeúntes –entre otras cosas- posibilidades de mirar que abran nuevas perspectivas. Hay, hermanos, muchísimo que hacer al respecto. Lo importante es que los alcaldes se den cuenta de que se pueden producir obras de mucho más valor que las fuentes del agua y que algunos otros nombres son mucho más importantes que los suyos propios.

Victor Vich es Profesor de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Investigador del Instituto de Estudios Peruanos (IEP) y miembro activo de Tándem: Gestión Cultural para el Desarrollo.

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Respuestas:

+ Respuesta de Roberto Bustamante: Horror, Cultura (10/6/2008)
http://www.elmorsa.pe/2008/06/10/horror-cultura/

]]> http://maniobras.wordpress.com/2009/08/03/horror-miraflores/feed/ 0 Mauricio Delfin mural-012 mural-014 http://maniobras.wordpress.com/2009/07/29/%c2%bfconsejos-regionales-de-cultura-para-la-descentralizacion-cultural/ http://maniobras.wordpress.com/2009/07/29/%c2%bfconsejos-regionales-de-cultura-para-la-descentralizacion-cultural/#comments Wed, 29 Jul 2009 03:49:24 +0000 maniobras http://maniobras.wordpress.com/?p=250 Sigue leyendo →]]> Balance de la gestión pública de la cultura [BGPC 01]
¿Consejos Regionales de Cultura para la descentralización cultural?

Por Guillermo Cortés

El Reglamento de Organización y Funciones (ROF) del INC, aprobado mediante el DS 017-2003-ED en mayo del 2003, establecía en el Artículo 21 que los Consejos Regionales de Cultura se conformaban por representantes del Sector Educación, del Gobierno Regional y los Gobiernos Locales, los representantes de los sectores involucrados en el quehacer cultural de la región y «… personalidades de la sociedad civil con representatividad en áreas específicas de la cultura, incluidos los representantes de los grupos etnolinguísticos». Por otro lado, en el Artículo 44 se indicaba que los Directores Regionales de Cultura eran «designados por Resolución Directoral Nacional, elegidos dentro de una terna propuesta por el Consejo Regional de Cultura correspondiente…».

El 30 de diciembre del 2006 fue publicado en el diario oficial El Peruano el DS 028-2006-ED que modificó los artículos antes mencionados, considerando que para el caso de los Consejos Regionales no existía precisión para la conformación de estas instancias, «… por lo que resulta, imprescindible dotarlas de una conformación más cierta y representativa que redunde en un eficaz medio de descentralización y que responda asimismo, a los principios rectores de un Estado moderno» y para el caso de los Directores Regionales se considera necesario la modificación con el fin de hacer más eficiente el procedimiento para la designación.

Es así que el DS 028-2006-ED establece que el Director Regional de Cultura «…es elegido y designado por la Dirección Nacional del INC, mediante Resolución Directoral Nacional, por un periodo de dos años, renovable por única vez por decisión exclusiva de la Dirección Nacional del INC». Con el nuevo procedimiento de designación del Director Regional la atribución que tenían los Consejos Regionales para presentar una terna de candidatos queda de plano descartada, dependiendo esta únicamente de la Dirección Nacional del INC.

Por otro lado, de acuerdo al DS 028-2006-ED, los Consejos Regionales de Cultura se conformarán con los siguientes representantes: «…Uno del Gobierno Regional; Uno de la Iglesia Católica; Uno del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo; Dos de la Universidades de la Región; Dos de las Asociaciones Culturales de la Región; y Dos de la Municipalidades Provinciales de la Región».

No podemos negar que la conformación de los Consejos Regionales de Cultura que establecía el DS 017-2003-ED, no permitió la constitución ágil y los mecanismos para el funcionamiento adecuado de estos. De ahí que muchos de los consejos no fueran realmente representativos del sector cultural de la región y no tuvieran una vida activa. La nueva formula tampoco resuelve este problema y sobre ella es necesario llamar atención en los siguientes aspectos:

• Para la fecha de publicación del DS 028-2006-ED las Direcciones Regionales del MINCETUR habían sido integradas a la estructura orgánica de los Gobiernos Regionales . Por lo tanto, es técnicamente improcedente la participación de un representante del MINCETUR en los Consejos Regionales de Cultura.

• La inclusión de un representante de la Iglesia Católica.

• La eliminación de la mención expresa sobre la posibilidad de representación de los grupos etnolinguísticos en los Consejos Regionales de Cultura.

Unos meses antes de la publicación del DS 028-2006-ED, la Directora Nacional del INC declaró que «Con las normas nuevas de descentralización se han traspasado aspectos fundamentales a las regiones. Por ejemplo, los Institutos Regionales son autónomos. La labor del INC es dar las pautas generales en aspectos técnicos, pero no tenemos injerencia, porque no queremos tenerla, en el manejo administrativo. Nuestra labor es dar lineamientos para que haya una política común» .Y en el 2007, post decreto supremo, indicó que «Una de las partes fundamentales de esta propuesta (refiriéndose a la necesidad de fortalecer las capacidades y delegar funciones en el marco de la descentralización) es reconocer los derechos de las regiones a tener manejos particulares. Lo que yo propugno, y estamos poniendo en práctica, es que el INC propone, plantea coordinadamente los lineamientos generales de manejo cultural; pero la puesta en práctica de esos lineamientos debe hacerse atendiendo las exigencias, posibilidades e individualidad de cada región» .

El DS 028-2006-ED señala que el INC debe establecer los procedimientos y requisitos para la constitución de los Consejos Regionales a los 60 días de entrar en vigencia. Desde el 30 de diciembre del 2006 hasta la fecha han pasado varias lunas y muchos directores regionales de cultura y ningún consejo, a nuestro entender, activado y en funcionamiento.

La descentralización cultural no solo debe ser un estribillo del discurso gubernamental, debe convertirse en un ejercicio real y efectivo que genere, entre otras cosas, espacios de participación representativa de los agentes del sector cultural, en los cuales se formulen los lineamientos y se planifiquen las acciones que promuevan el desarrollo cultural en cada región y localidad del país. En ese sentido, los Consejos Regionales de Cultura podrían cumplir esa función y el INC ser un facilitador en el proceso articulación de los agentes del sector y en el fortalecimiento de sus capacidades.

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(1) DS Nº 038-2004-PCM: Plan Anual de Transferencia de Competencias Sectoriales a los Gobiernos Regionales y Locales del año 2004.
(2) Entrevista publicada en puntoedu Año 2 Nº 587 – Setiembre 2006
(3) Entrevista publicada en el Portal de Asuntos Públicos de la PUCP – Marzo 2007

Via: http://mareacultural.blogspot.com/2009/06/con-santiago-alfaro-sobre-politicas.html

Por Santiago Alfaro Rotondo

Los orígenes del conflicto con los pueblos indígenas están en la incapacidad
del Estado para reconocerlos como sujetos de derecho.

José María Arguedas calificó como un “monstruoso contrasentido” el hecho de que las élites políticas y económicas peruanas a la vez que admiraban el arte indígena, despreciaran a sus creadores. Sus palabras no dejan de tener vigencia. El contraste entre cómo nos sentimos orgullos por nuestra diversidad cultural y cómo se interpreta el conflicto protagonizado por los pueblos indígenas de la Amazonía lo demuestra.

Por un lado, el Estado y múltiples empresas utilizan las expresiones culturales de los shipibos o asháninkas como un recurso para promover el turismo y ofrecer mercancías. Y por el otro, las demandas políticas de esas mismas poblaciones o no son escuchadas o se las concibe como el producto de la ignorancia y la manipulación de agentes externos, privándolas de toda capacidad para tomar decisiones de manera autónoma. Los pueblos indígenas de la Amazonía siguen siendo vistos solo como sujetos estéticos y no de derechos, como postales y no ciudadanos. Como consecuencia: palmas para Juaneco y su Combo, balas para los awajún.

La persistencia de este “monstruoso contrasentido” nos confronta con los retos que exige reconocer el agotamiento del modelo clásico de ciudadanía. Según este, solo se debe avalar la libertad de cada individuo para cultivar y mantener su herencia cultural. Por lo mismo, a los poderes públicos solo les correspondería conceder iguales derechos fundamentales para todos los ciudadanos.

Ver en Poder 360: www.poder360.com/article_detail.php?id_article=1994

Una breve de historia

Irlanda del Norte tiene una historia de enfrentamientos que se remonta al siglo XII en que Inglaterra decide instalarse en la isla, originando la resistencia de los irlandeses y posteriormente las divisiones entre protestantes y católicos. La historia más reciente muestra las formas en que las divisiones se acentuaron y ha configurado uno de los conflictos políticos y religiosos más interesantes a nivel mundial. En 1949 la isla se divide en dos en la República de Irlanda e Irlanda del Norte, esta última dependiente del Reino Unido de Gran Bretaña.

Es en el año 1972 cuando “The Troubles-LosProblemas” que es cómo se conoce al conflicto norirlandés – tiene un punto importante de cambio; la agrupación terrorista Ejército Republicano Irlandés -conocido como IRA por sus siglas en inglés- hace su aparición pública, luego que el 30 de enero del mismo año, en el barrio de Bogside en la localidad de Derry[1] en Irlanda del Norte, durante una manifestación a favor de los derechos civiles, catorce católicos murieron durante la represión de las tropas británicas, esta jornada es conocida como “Bloody Sunday-Domingo Sangriento”.

Hasta el año 1972 Irlanda del Norte se autogobernaba; luego de la escalada de violencia Gran Bretaña decide convocar a un plebiscito para instalar un sistema de gobierno directo. En el año 1973 el 60% de la población votó a favor de la unión. Y como en un retorno a la historia, se da inicio a los hechos contemporáneos del enfrentamiento entre protestantes y católicos, unionistas y republicanos, aparición de otros grupos terroristas como la Fuerza Voluntaria del Ulster-UVF, etc. Los años posteriores estuvieron marcados por negociaciones fallidas, escisiones dentro del IRA (IRA provisional, IRA auténtico, IRA de la continuidad) y por la muerte de casi 3,200 personas y los daños físicos a más de 37, 000 tanto en Irlanda del Norte como en Gran Bretaña.

A pesar que en abril de 1998 se firma el Acuerdo de Viernes Santo entre los gobiernos británico e irlandés y los principales partidos de norirlandeses y que en mayo del mismo año fue aceptado por referéndum en Irlanda del Norte y la República de Irlanda; el IRA auténtico que no aceptaba el alto al fuego, quiebra la paz alcanzada hasta ese momento.

El 15 de agosto de 1998 en la pequeña ciudad de Omagh, en el condado de Tyrone en Irlanda del Norte, un coche bomba explota en la calle central de la ciudad y ocasiona la muerte de 29 civiles y causa heridas de gravedad a cerca de 200 personas; este es considerado como el peor ataque durante “los problemas” y fue reivindicado por el IRA auténtico. Irlanda del Norte inicia así un nuevo camino en la búsqueda de “autonomía” que finalmente llega el 8 de mayo de 2007, a pesar que sigue formando parte del Reino Unido. Es así que nuevamente la muerte de civiles inocentes es la que genera un retroceso en el proceso de paz.

Vislumbrando el presente y el futuro Irlanda del Norte ha comenzado un proceso interesante de apertura a Europa, se ha convertido en la actualidad, principalmente Belfast, en un importante destino turístico, no solamente por la rica cultura de herencia celta, por ser Belfast la ciudad donde se construyó el Titanic (están iniciando los preparativos para la celebración de los 100 años en 2012), por los hermosos campos norirlandeses y  las magnificas costas que guardan vestigios naturales como la Calzada del Gigante que ha sido declarada como Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO, si no porque ha hecho de su historia de conflictos parte de lo que denominan actualmente como “Turismo Político”.

Belfast, a pesar de tener construcciones modernas y una vida agitada como todo metrópoli, es también una ciudad detenida en el pasado, sus calles denotan la época de esplendor industrial que vivió Irlanda del Norte pero que hacen sentir al visitante estar en un viaje al pasado, y son las paredes de esas calles las que sirven como una pantalla de cine en la que se proyectan las imágenes del pasado y también de un presente, marcado por un intenso trajinar político. Es el arte de los murales los que nos transportan a esa dolorosa e interesante etapa.

El tour político comienza en una de las calles centrales de Belfast frente al City Hall o Ayuntamiento, donde en un “black cab” o taxi negro, el chofer nos llevará por los barrios católicos y protestantes, explicándonos la historia, contándonos cada momento en los que se pintaron los murales, mostrándonos también que aún hay muros que los separan y que aún se cierran en la noche para evitar reyertas entre los jóvenes. Pero en las paredes no sólo está el IRA, el UVF o personajes como Bobby Sands (miembro del IRA que murió en prisión luego de 66 días de huelga de hambre debido al rechazo del Gobierno Británico a cumplir una serie de demandas) sino también se ven reflejada otras problemáticas actuales: la lucha palestina, el conflicto vasco, la situación de Cuba. Así los murales reivindican luchas más allá de sus fronteras.

Pero es quizá el Bogside -lugar donde tuvo lugar el “domingo sangriento”- donde el arte, la guerra y la paz llegan a un punto de unión. Entre 1994 y 2006 tres artistas norirlandeses Kevin Hasson, Tom y William Kelly, decidieron utilizar las paredes como una galería de arte al aire libre, así los muros de las casas se han llenado de color y la historia, que estaba flotando en el lugar, ha cobrado vida en los murales. Como los propios artistas señalan, ellos han usado fotografías de la época porque lo que quieren es “mostrar” la historia no interpretarla. Así los 12 murales nos llevan por los momentos más desgarradores de “los problemas” como el domingo sangriento, los niños que murieron, las huelgas de hambre, las máscaras de gas, etc. pero en medio de esa historia triste nos muestran imágenes de personajes que tienen un significado especial para la paz como la Madre Teresa, Martin Luther King y la paloma de colores que es el símbolo de San Columba fundador de la ciudad, que se dice fue construida sobre una arboleda de robles, por ello muestra también una hoja de roble como el símbolo de la esperanza.

Un dato curioso que destacar es que al llegar a este barrio en medio hay un muro con la frase “Ahora eres totalmente libre Derry” y en la parte alta del muro hay una bandera flameando con la figura del Che Guevara; hay un mural dedicado a este personaje revolucionario donde se destaca sus raíces irlandesas: “En las venas de mis hijos fluye la sangre de los rebeldes irlandeses”. También, como en Belfast, vemos reflejado en murales el conflicto palestino y la reproducción del Guernica de Picasso.

Hay en Derry una escultura que demuestra el largo camino que ha recorrido y recorre Irlanda del Norte, es la figura de un protestante y un católico tratando de darse la mano, a pesar que están muy cerca no lo consiguen aún, y otra vez el arte refleja a la realidad; el 7 de marzo de 2009, luego de muchos años de cese de la violencia, miembros del IRA auténtico asesinaron, en una ciudad cercana a Belfast, a dos soldados en una base militar, e hirieron a otros dos civiles y dos días después el IRA de la continuidad asesinó aun policía e hirió a otro más. Estos actos han recibido el repudio de las autoridades, pero la realidad le ha dado nuevamente color a los murales que son evidencias latentes de una historia, dolorosa, que no llega a su fin, y a pesar de ello Irlanda del Norte muestra al mundo su dolor y esperanza a través de las expresiones artísticas, se labra un espacio en el turismo a través de introducir al visitante en su historia política.

El muro que divide el barrio protestante del católico en la zona de Shankill road en Belfast, es parte del proyecto “Si las paredes hablaran” en el que un grupo de artistas conjuntamente con niños, ancianos y habitantes del lugar han elaborado murales en los que se muestra el proceso histórico de Irlanda del Norte y también testimonios de personas que lucharon en la I Guerra Mundial, conflictos en Israel y otras partes del mundo. El objetivo de este proyecto no es solo mostrar los hechos ocurridos si no cambiar la visión negativa que se tenía de la zona de Shankill- no sólo por la pobreza imperante, sino también como uno de los espacios que aún son conflictivos- por una visión en la que el arte de los murales permiten ser los canalizadores de las expresiones de ideas, sensaciones y puntos de vista distintos utilizando colores y no violencia.

Este proceso norirlandés tiene matices muy interesantes, pues no solo es una recuperación de la memoria ya que siempre se mantiene un recuerdo  doloroso de los hechos; la memoria que se vendría a plasmar es una memoria de lo sucedido a lo largo de la historia que ha configurado un presente conflictivo.

Como dicen los Bogside artist, cuando hablan de los colores del mural de la paloma de la paz: “la paz sin libertad no es libertad en absoluto”, pero el arte y la cultura pueden ser ese eje liberador, que se entrecruzan en el pasado y el presente. Los murales de Belfast y del Bogside son una clara muestra de cómo el arte puede ayudar a no olvidar, a mantener viva en la memoria frágil momentos que fueron hitos de dolor y desesperanza, y es ese arte del mural, es ese recordar en el mismo lugar de los hechos lo que significa un reconocimiento a una paz que si bien no ha llegado aún definitivamente es un camino que se va recorriendo paso a paso y donde los murales y el arte pueden actuar como flechas de dirección.
 

Para ver las demás fotos que acompañan este artículo visita:
http://www.flickr.com/photos/38442663@N08/sets/72157618048013451/

* Todas las fotografías fueron tomadas por la autora.

[2] En realidad era el padre del Che-Ernesto Guevara Lynch- quien tenía descendencia irlandesa. El Che utiliza como apellidos completos los de su padre, dejando de lado el apellido materno De La Serna.

Por Santiago Alfaro Rotondo

En el 2000, la Iniciativa para la Música Digital Segura (SDMI, en inglés), creada por la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA, en inglés), desarrolló una tecnología para proteger a los CD de copias ilegales. Segura de su invulnerabilidad, la SDMI organizó una competencia en la que retaba públicamente a los expertos en informática y ofrecía US$ 10.000 a quien lograra violar la seguridad de su nuevo invento.

Al poco tiempo, Edward Felden y un grupo de profesores de la Universidad de Princeton superaron el desafío. Debido a que el premio estaba condicionado a mantener en secreto la investigación, Felden renunció a cobrarlo y decidió hacer públicas sus conclusiones.

Antes de que ello sucediera, la RIAA le envió una carta amenazándolo con tomar medidas legales si lo hacía, amparándose en la Ley de Derechos de Autor del Milenio Digital de 1998. Allí se estipula que es un delito fabricar u “ofrecer al público” cualquier dispositivo capaz de eludir las “medidas tecnológicas efectivas”, es decir, aquellos sistemas de control de acceso o copia que protegen las obras artísticas e informáticas mediante técnicas como la encriptación, autenticación o el marcado digital de los archivos. Situaciones como la descrita pueden suceder hoy en el Perú.

Ver más:

http://www.poder360.com/article_detail.php?id_article=1662

Por Giuliana Borea Labarthe

Desde los años 80, los museos se han redimensionado como instituciones que buscan responder al desarrolla local y a la construcción de identidades incluyentes desde la Nueva Museología. De esta forma los museos intentan redimensionarse pasando de ser templos sagrados del saber a foros de múltiples lecturas y debate, de museos de espectadores a museos de actores, de museos de unos a museos de todos, de museos de grandes discursos a museos también de propuestas locales, de museos únicamente como espacios conmemorativos a museos que también incluyen memorias dolorosas.

El recuerdo de las tragedias colectivas como parte de la memoria pública es central en la práctica política y en la construcción de identidades, a partir de formas adecuadas de rememorar o de modelos de tratamiento cultural para ello. Las exposiciones y los museos han encontrando lenguajes adecuados para abordar y tratar estas tragedias colectivas, como la exposición Yuyanapaq. Para Recordar lo ha demostrado ampliamente.

Específicamente, la exposiciones y los museos sobre violencia política y memoria buscan (i) fomentar el recuerdo o conocimiento de las atrocidades cometidas a sujetos y grupos específicos, siendo las víctimas de dichos sucesos recordadas y homenajeadas a través de estos actos colectivos; (ii) forjar una identidad en las generaciones siguientes construyendo una memoria histórica en la que estén considerados tanto los hechos de dolor como las responsabilidades sociales y políticas, (iii) y apelar de forma emotiva y reflexiva a las poblaciones globales y, principalmente, locales para que estos actos no vuelvan a ocurrir.

En el Perú la violencia política de casi veinte años causó la muerte y desaparición de 69, 280 peruanos en manos principalmente de Sendero Luminoso, así como del Movimiento Revolucionario Tupac Amarú y de las Fuerzas del Estado, ante la eminente ceguera de la capital y de la clase política. La Comisión de la Verdad y Reconciliación propuso la necesidad de un Museo de la Memoria reconociendo las posibilidades de los museos como instituciones que contribuyen, junto a otras políticas, al recuerdo colectivo, a la reconciliación social y a forjar ciudadanías responsables.

Sin embargo, más allá de los grandes desarrollos de la Nueva Museología y en particular en este caso de los museos de la memoria donde los Museos del Holocausto han marcado una pauta clave, el ministro de defensa Ántero Flores Aráoz, el canciller José Antonio García Belaunde y el cardenal Juan Luis Cipriani pretenden dar un nuevo giro a las posibilidades sociales de estos museos. 

Esta “nueva museología” se basa en tres grandes lineamientos que se esgrimieron como respuesta al ofrecimiento de dos millones de dólares por parte del gobierno alemán para construir el Museo de la Memoria en el Perú.  Estos “lineamientos” son los siguientes:

• “Si yo tengo personas que quieren ir al museo, pero no comen, van a morir de inanición. Hay prioridades” (Flores Aráoz).
• “No es el momento ni la oportunidad para crear un museo que va a mantener abiertas las heridas sobre este tema que todavía no concilia a los peruanos entre sí” (García Belaunde).  
• “No es cristiano un museo de la Memoria” (Cipriani). 

¿Qué podemos decir ante tales afirmaciones que no sólo rechazan un ofrecimiento generoso sino que hablan de una particular perspectiva estatal sobre la construcción de la memoria pública y de la función de los museos? Primero, la viabilidad de los museos es posible no sólo cuando la pobreza de los países es superada; sino que los museos pueden ayudar a mejorar las condiciones de vida de la población. El Museo del Barrio de Estados Unidos o el Museo de Antioquía en Colombia son claros ejemplos de esto.

Segundo, es inaceptable que desde el Estado se señale el argumento fácilista que la satisfacción de las necesidades económicas son primeras a la satisfacción de las necesidades simbólicas y culturales, como si de estructura y superestructuras se tratará. ¿Hasta cuando se van a esgrimir estas excusas planas hacia la cultura, la memoria y la identidad? Los factores culturales y simbólicos se interrelacionan e influyen en los económicos, y viceversa. Me pregunto ¿qué hizo el Estado con las propuestas trabajadas por los equipos del Proyecto Impulso para la elaboración de políticas culturales donde uno de los principales ejes fue entender lo cultural en su capacidad integradora y reconciliadora?

Dentro de esta argumentación ciudades como Huancavelica y más aun sus comunidades campesinas no podrían gozar de museos. Señor Sánchez recuerdo tras haber sido convocada por usted y por los comuneros de la comunidad de Buenos Aires de Parco en mi gestión en el INC haberlos apoyado en la elaboración del proyecto de un museo en su localidad; pero de acuerdo a esta “nueva museología” mi respuesta tendría que haber sido que primero solucionen sus carencias económicas antes de pensar en la construcción de un museo. Por suerte Sr. Sánchez, usted, yo, los comuneros de este poblado en Huancavelica, y otros muchos peruanos no comulgamos con estos “nuevos lineamientos” que pretenden ubicar lo cultural y lo simbólico en el rincón de las necesidades. De ahí que tal vez se entienda porque la promesa de este gobierno sobre la creación del Ministerio de Cultura resulta tan inverosímil.


Tercero, los museos de la memoria no buscan mantener abiertas las heridas de la población; por el contrario son modelos culturales que buscan ayudar a sanar estas heridas, pero no desde el olvido sino desde el recuerdo y la responsabilidad colectiva. Por otro lado, los museos de la memoria no necesariamente se construyen cuando esta memoria dolorosa ha sido socialmente superada, sino que son en sí mismos medios de reconciliación, son espacios de encuentro para trabajar una memoria compartida sobre periodos de la historia y construir ciudadanías comprometidas e inclusivas que no permitan cegueras similares ante el dolor y la injusticia hacia conciudadanos. Negar esta capacidad a los museos es desconocer totalmente sus posibilidades.     

Cuarto, quien haya visitado la exposición Yuyanapaq. Para Recordar y no se haya sentido conmovido ante el sufrimiento, y aterrado ante la indiferencia y las responsabilidades sociales y políticas debe tener la piel bien gruesa. No se trata de marcar agendas políticas, se trata de sensibilidad social y de entender la capacidad reconciliadora que los museos de la memoria tienen en diversos países del mundo. Por otro lado, la construcción de museos en nuestro país responde en muchos casos a la ayuda internacional sin la cual por ejemplo el Museo de Chavín, de Sican, de Sipan no hubiesen sido posibles. En estos casos la ayuda internacional respondió a un pedido del gobierno peruano pero también a un interés de los países cooperantes – por supuesto buenos intereses – en apoyar dichos proyectos. En el caso del Museo de la Memoria no sólo se ajusta a una recomendación de la CVR, sino que responde al gran impacto que la exposición de Yuyanapaq tuvo en Chorrillos y sigue de alguna manera teniendo en el Museo de la Nación. O ¿es que son solo los museos que muestran el glorioso pasado arqueológico, el que no perturba las mentes y las responsabilidades los que se deben construir? Por supuesto que no. Recordar el dolor no implica no perdonar, recordar implica sacar una lección para nuestras vidas: ¿o no es ello lo que se nos ensaña cuando debemos recordar el dolor, el perdón y la reconciliación en el Cristianismo? Dolor, memoria y reconciliación pueden y deben ir de la mano para como individuos y como sociedad no cometer los mismos errores y forjar una ciudadanía inclusiva, responsable y crítica.

Ojalá que esta “nueva museología”, que contribuye a la completa banalización de los museos y a la poca comprensión sobre la construcción de identidades complejas, no marque la agenda política, cultural e identitaria de nuestro país que merece y requiere no olvidar para construir un futuro común sobre el recuerdo de todos.  

+ Datos adicionales:

Topografía de la Memoria
http://www.memoriales.net/topographie/Alemania/topographie.htm

Museo Memoria Abierta – Argentina
http://www.memoriaabierta.org.ar/principal.php

Destierro y Reparación – Museo de Antioquía, Medellín
http://www.destierroyreparacion.org/node/22

Patum de Berga

Por Adriana Arista Zerga

El día domingo 15 de febrero el centro de Barcelona se llenó de fuego, diversos grupos de “Colles de Correfoc” procedentes de varios lugares de la ciudad hicieron uso de esta tradición catalana que surge en los años 70, en la que comparsas, conformadas por niños, jóvenes y adultos, vestidos de diablos bailan y saltan portando artículos pirotécnicos como lanzas que despiden fuego en las puntas, dragones (que emulan las conocidas “vacas locas” utilizadas en las diversas fiestas de la sierra del Perú). Los “diablos” con el fuego en la mano, van danzando hacia el medio de la plaza y la gente (este domingo fueron en su mayoría niños) se colocan debajo del fuego saltando y bailando a los acordes de las diferentes bandas que acompañan a cada uno de los grupos. El despliegue de color y alegría hacen olvidar por algún momento el temor natural al tener el fuego tan cerca.

Pero esta manifestación cultural, y otras tantas vinculadas al uso de artículos pirotécnicos, está en alerta debido a la Directiva Europea 2007/23 que regula el uso de los artículos pirotécnicos y señala además que está restringido el uso a menores de 12 años. Las diversas agrupaciones de Colles de Correfoc no sólo de Cataluña, sino también de Valencia e Islas Baleares, han señalado su preocupación ante la aplicación de la normativa europea en España, ya que consideran que atentaría contra las manifestaciones culturales y restringiría el derecho de los ciudadanos a participar en la vida cultural a través de tradiciones populares que datan de muchos años atrás.

Una de las festividades que se vería afectadas sería la Patum de Berga,  que es una conmemoración religiosa de origen medieval que logró preservar sus raíces religiosas y profanas pese a haber sido prohibida por la Iglesia. En el año 2005, esta tradición fue declarada por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, incluye una serie de representaciones teatrales, personajes y figuras que llenan la ciudad catalana de Berga cada primavera y en la cual el fuego es un elemento importante dentro del desarrollo de la Patum. Asimismo, la participación de niños es de suma importancia ya que existe la Patum infantil, que se vería doblemente afectada con la normativa señalada, debido al límite de la edad que ésta ha dispuesto.

Las autoridades catalanas, han expresado que enviaran al Gobierno Central Español “un catálogo en el que detallará las fiestas que se basan en el fuego para que sean excepciones de la normativa”, y así no ponga en riesgo las manifestaciones culturales en España, y especialmente en Cataluña. Diversas autoridades como el Ministro de Industria, Turismo y Comercio ha asegurado que la transposición de esta normativa europea no perjudicará “la cultura del fuego” de las Comunidades Autónomas de la zona del Mediterráneo.
 

 
Este hecho es un ejemplo que demuestra que a pesar de la unificación territorial y económica de la Unión Europea, el aspecto cultural es un punto en el que las disposiciones que atañen a manifestaciones culturales materiales e inmateriales no permiten “unificaciones”; España en los inicios de las creaciones de las normas en relación a bienes culturales, expresó las excepciones del trato de sus bienes culturales y ha elaborado una normativa especial para la exportación y salida de sus bienes culturales dentro de la Unión Europea.

Ahora esta nueva disposición europea, relativa a los elementos pirotécnicos, hace pensar en el patrimonio inmaterial y la preocupación de los propios “actores culturales” del peligro que pueden correr dichas expresiones culturales si se aplican a tabula rasa normativas dadas para países tan diversos culturalmente.

No se encontró mejor forma de protesta que la propia manifestación cultural, usando el fuego y esperando que siga ardiendo a pesar de leyes y normas que de ser aplicadas arderían en el infierno de la incomprensión, como tantas normas aplicadas sin atender a la realidad.

Más información (en catalán):

+ Ayuntamiento de Berga  
Les colles de foc omplen la plaça de gom a gom (VIDEO - 09/02/09)

+ Federació de Diables i Dimonis de Cataluny
http://www.diablescat.org/ 

Banda Afro-Reggae

GEORGE YÚDICE es una referencia obligada en la gestión y política cultural a nivel mundial. Profesor de las universidades de Nueva York y Miami, estuvo en Lima invitado por la Maestría de Estudios Culturales de la PUCP para dictar un curso sobre economía y cultura.

Por Santiago Alfaro Rotondo

George Yúdice (Nueva York, 1947) nació cuando la radio era el principal medio de entretenimiento familiar, Hollywood penetraba el mercado europeo a cambio del plan Marshall, Harry Truman se convertía en el primer presidente norteamericano en hacer un discurso por televisión y los jóvenes italianos, judíos y afroamericanos de Brooklyn se disputaban las esquinas. En la década de los años cincuenta creció en medio del auge de Elvis Presley y pandillas familiares descritas en series como Los Sopranos.

Durante los sesentas fue testigo de la lucha por los derechos civiles para luego, en los setentas, dedicarse a teorizar sobre la representación literaria y la obra de poetas imprescindibles como Vicente Huidobro. En los ochenta fue profesor de lenguas romance en el Hunter Collage y una década después decidió darle un giro a sus intereses y pasar a investigar la infraestructura que hace posible la producción y el consumo cultural: propiedad intelectual, nuevas tecnologías, circuitos de distribución, formas de financiación, acuerdos de libre comercio, políticas y leyes de fomento.

Hoy su nombre es citado en cuanta publicación se hace en el planeta sobre la gestión y política cultural. Sus opiniones no pasan desapercibidas al evaluar la presencia de la música en la radio, el dominio global de Hollywood, la concentración de la propiedad en la televisión o la disputa de los jóvenes por el reconocimiento en las esquinas de la web 2.0. Sobre todo esto y más discurren sus respuestas, de lectura ineludible si se pretende gestionar con profesionalismo, equidad e imaginación el sector cultural.

¿Qué usos se le está dando a la cultura en la era global?

El papel de la cultura viene expandiéndose de una manera sin precedentes en el ámbito económico, político o social. Se la invoca como un recurso para la producción de riqueza, participación ciudadana o reconstrucción del tejido social. Más allá que comparta o no estas visiones, el hecho es que la cultura se ha convertido en un marco interpretativo para la solución de problemas antes ajenos a ella.

¿El uso generalizado de la cultura como un recurso, no contradice aquella idea según la cual la globalización es un proceso encaminado a homogeneizar el planeta?

No creo que se esté eliminando la diversidad cultural. Aquí he observado fuertes marcas de producción local. Que los artistas peruanos utilicen el techno, la cumbia o el reggaeton en sus procesos creativos no quiere decir que su música sea igual a la de Estados Unidos, Colombia o Puerto Rico. En el caso de la programación televisiva sí existe una saturación de la oferta con contenidos internacionales pero aún así dudaría de calificar este fenómeno mediante el término “homogeneización”.

¿Si la homogeneización no es un peligro, cómo interpretar el éxito de las empresas de Hollywood, entre otras que dominan los mercados globales de la cultura?

Como sabemos, existen industrias cinematográficas como la india o nigeriana que producen muchas películas al año. No obstante, el cine norteamericano se lleva el 80% de las ganancias mundiales. Los circuitos de distribución y exhibición están monopolizados por las empresas de Hollywood. Esta situación no ocurrió naturalmente. Fue promovida a través de marcos legales y tratados de libre comercio beneficiosos para esas corporaciones. La oficina del Departamento de Comercio defiende siempre el régimen del copyright para la industria audiovisual estadounidense.

¿Cuál es la relación entre propiedad intelectual y comercio de bienes y servicios culturales?

Los centros de comando y control, las sedes de estas empresas, están en Nueva York, Londres o Tokio. El derecho de propiedad intelectual garantiza que todas las ganancias fluyan de vuelta a esos centros. Según la Asociación Costarricense de Autores y Compositores Musicales (ACACM), sólo el 5% de la música difundida en radio es de Costa Rica. Por lo tanto, el 95% de las regalías por la publicidad radial van a parar a otros países como Estados Unidos, México o España. Se ha generado una nueva división internacional del trabajo cultural que consiste en controlar el proceso de producción y acumulación de capital local a través de la posesión de los derechos de propiedad intelectual desde fuera.

Considerando la expansión de las tecnologías digitales, ¿qué alternativas existen para corregir estos desequilibrios?

Si uno no quiere abandonar los principios de los derechos de autor y copyright, hay que modificarlos. La propuesta de Creative Commons va en ese sentido. Sus licencias ofrecen a los autores que no quieren ser sujetos de lucro de las grandes empresas el poder renunciar a uno o todos sus derechos. Aún así, eso no resuelve el problema. Tiene que haber una transformación universal del régimen de propiedad intelectual.

¿Ello implicaría reducir los años de monopolio de los autores para que ingrese más rápidamente al dominio público?

Quien tiene el monopolio no son los autores sino las empresas que compran los derechos y luego lucran con ellos hasta por un período de 90 años después de la muerte del autor. Por tanto, muchos autores están buscando alternativas a ese monopolio. De hecho, la cantante brasilera Marisa Monte ha decidido dejar de grabar CD´s. Para ella tiene más sentido hacer conciertos, canalizar los ingresos de otra manera. Geard Leonhard plantea que cada usuario pague por su acceso a la música vía Internet. Mediante una tarifa plana, las canciones podrían descargarse y comentarse desde portales 2.0 financiados por la publicidad. Lo interesante es que se eliminan los intermediarios.

Las redes sociales conforman otra área de expresión dentro de Internet. Son espacios de encuentro pero también de lucro invisible ¿Cómo se generan ganancias a partir de su uso?

Actualmente existe un acaparamiento del trabajo inmaterial. Plataformas como Facebook o Youtube han logrado tener éxito al facilitar que la gente cuelgue en Internet contenidos culturales de manera gratuita. Toda esa actividad tiene un gran valor en tiempo y dinero Las empresas digitales la rentabilizan, por un lado, vendiéndola como información a agencias que buscan conocer los usos de Internet o perfiles de consumidores y, por otro, atrayendo publicidad.

¿No es legítimo ese uso para mantener el servicio?

Es legítimo pero hay personas como Andrew Ross que plantean algunas objeciones. Según él, la disponibilidad en Internet de contenidos proporcionados por personas comunes y corrientes le está quitando mercado a los artistas profesionales y, finalmente, es un negocio lucrativo no controlado por ellos. Por lo mismo, no debería celebrarse como una gran democratización. Desde mi punto de vista la web 2.0 es parte de una transformación social que no puede detenerse. En la atmósfera de Internet todos pueden hacerse conocidos pero sólo algunos, los que tienen un talento especial, tienen la capacidad para atraer público a un concierto y ganar dinero de eso. El asunto es como hacerlo en un entorno que ha sido muy desigual para los autores.

¿Cómo podrían ser promovidas otras actividades culturales locales que no fluyen por Internet a través de las políticas públicas?

El otro sector de la cultura que es distinto al de la música grabada, programación televisiva o el cine es el de los festivales. Hay muchas ciudades en las que existen actividades donde la gente produce sus disfraces y comida típica. Pueden ser religiosas o de otro tipo. Existe la creencia que su desarrollo pasa por el turismo pero no se analizan los riesgos. La presencia de alemanes o norteamericanos puede generar efectos nocivos si contribuye a banalizar el valor que tiene el festival para la gente. Hay otras maneras más interesantes de integrar culturalmente a los turistas con la población. Por ejemplo, en una fiesta de moros y cristianos, los turistas podrían participar de cristianos y los pobladores de moros.

¿Aparte de las visiones alternativas del turismo, mediante qué otras políticas pueden promoverse ese tipo de actividades culturales?

En algunos países las empresas de comida rápida están desplazando a la gente que prepara la comida local: empanadas, tamales, etc. Ellos necesitan ser respaldados para poder competir. Los festivales tienen que mantener su valor para la comunidad, deben ser autogestionadas por los pobladores que los crearon. Una manera de hacerlo posible es otorgando créditos, prestamos o subsidios a las organizaciones comunitarias o mypes que operan allí.

En el Perú aún resulta difícil imaginar que el Estado implemente ese tipo políticas ¿Qué estrategias han tenido agrupaciones culturales como Afro-Reggae de Brasil para no depender del financiamiento público?

Una parte importante de los ingresos de Afro-Reggae, aparte de las donaciones, viene de los discos y conciertos, patrocinados por las cervezas o bancos. Ellos han logrado aprovechar todas sus fuentes de ingresos y gestionarlas coordinadamente. Afro-Reggae es tanto una empresa privada como una ONG. La primera le pasa 30% de la ganancia a la segunda, que también administra el dinero proveniente del Estado, las fundaciones y cooperación internacional. Dentro de este bosque de posibilidades de financiamiento ellos han desarrollado una manera de aprovecharlas todas.

¿Qué piensas del incentivo al financiamiento privado de la cultura a través de marcos jurídicos como las leyes de mecenazgo?

El problema del financiamiento privado es que no necesariamente se administra en función del bienestar de la ciudadanía. Si una gran empresa quiere invertir en un museo, en Estado Unidos se le hacen descuentos fiscales. En consecuencia, el dinero invertido nunca es sólo del negociante. Ello justifica la formulación de mecanismos que aseguren su uso adecuándolo al bien común. Muchas veces los aportes privados no llegan a todos lo sectores de una manera equitativa.

Ese es justo el problema que ha tenido la Ley Rouanet en Brasil

Es que allí son muchos los que no tienen la capacidad para participar de las convocatorias que hace el Ministerio de Cultura. El dinero se va a las ciudades del sureste y Bahia. La gran parte de los aportes privados no fluyen al resto del Brasil. Eso es lo que quería corregir Gilberto Gil con el programa Cultura Viva, creando miles de asociaciones por todo el país.

Aparte del financiamiento público o privado, la creación de redes de gestores culturales está dando buenos resultados

El caso de Interlocal puede ser ilustrativo. Esta es una red de actores de muchas ciudades iberoamericanas que se reúnen para compartir sus buenas prácticas. En el último encuentro que tuvieron en Santa Rosa de Copán (Honduras), se expusieron experiencias de países como Colombia, donde se vienen desarrollando incubadores de mypes culturales para promover el comercio de artesanías. Como se necesita financiamiento para que estas redes operen, lo ideal es que los gobiernos realicen convenios con la cooperación internacional. Es importante que la gente aproveche y aprenda de otras prácticas.

Las políticas culturales contemporáneas están ampliando el concepto de diversidad

La mejor manera de garantizar que todos tengan igualdad de oportunidades pasa por establecer políticas de reconocimiento para no dejar de lado a ciertos grupos étnicos; pero no es suficiente. La diversidad no es sólo sinónimo de identidad. La diversidad también se manifiesta a escala empresarial, institucional y geográfica. En la primera, el eslabón más débil del sector son las mypes o, como las denomina Ernesto Piedras, asociaciones económicamente activas. La idea es que haya políticas para promoverlas. Al hacerlo la gente que viene de identidades subalternas se beneficiaría.

¿Cómo se protegen y promueven las otras manifestaciones de la diversidad?

En todo país existen instituciones que producen o financian cultura: ONG`s, empresas privadas, asociaciones comunitarias, agencias de cooperación internacional. A los políticos les incumbe mapear esta diversidad de instituciones y desarrollar un sistema lógico y equitativo para su desarrollo. También hay que preocuparse por la diversidad de escalas de asentamiento. Especialmente en América Latina, todo se concentra en las capitales. Hay que procurar cambiar esta situación fomentando la descentralización de la oferta y consumo cultural.

Datos adicionales

Bibliografía

• Política cultural, con Toby Miller (Gedisa, 2004)

• El recurso de la cultura: Usos de la cultura en la era global (Gedisa, 2002).

• Nuevas tecnologías, música y experiencia (Gedisa, 2007)

Páginas web de consulta

Afro-Reggae: www.afroreggae.org.br

Red Interlocal: www.redinterlocal.org

Creative Commons: http://pe.creativecommons.org/